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Estudios Phonalex. Rua Dragones 2250, Bajo Belgrano, Buenos Aires. Essa parte baixa do bairro de Belgrano fica entre o aeroporto para vôos domésticos, o aeroparque Jorge Newbery, e o maior campus universitário da cidade, a UBA, bem encostado ao Rio de La Plata que banha a cidade. Os estúdios Phonalex foram a casa de vários nomes importantes da música regional argentina, como Atahualpa Yupanqui, e do início do rock. Lá gravaram La Pesada del Rock & Roll, Sui Generis, Pappo’s Blues e também bandas del Flaco, Almendra e Pescado Rabioso. E no final de 1972 El Flaco está novamente nos estúdios Phonalex para gravar o terceiro álbum de Pescado Rabioso.

 

Luis Alberto Spinetta, El Flaco, fundou Pescado Rabioso assim que saiu de Almendra, uma banda mais para um rock hippie light e bucólico, um rock mais próximo de um Dylan, o primeiro herói do Spinetta. 

Quem inadvertidamente descreve esta passagem de Almendra para Pescado Rabioso a partir das composições que inspirou é Cristina Bustamante, a primeira musa de Spinetta.

 

Cristina era a filha do segurança do prédio onde morava Emilio del Guercio, outro dos membros de Almendra. Passou a frequentar os ensaios da banda, a participar do redemoinho criativo de desenhos, leituras, conversas e muita música. Luis e ela se apaixonaram nessa época. A primeira composição dedicada a ela é um hino ao mais pleno amor adolescente que virou um hit quase instantâneo: “Muchacha ojos de papel”.

 

‘Muchacha’ é uma das grandes construções poéticas do Luís, só sua voz e o violão. Suas letras acariciam ideias entre a visão idílica da menina entre a adolescência e o tempo de colégio, descobrindo sua liberdade, através de uma linha poética tão pura que parece uma canção de ninar.

Os membros de Almendra disseram que ele levou a letra já pronta e só fizeram arranjos e coros.

‘Muchacha’ foi um sucesso imediato e levou Almendra para a fama precocemente, algo que nem o Luis esperava.

Almendra irá fazer as primeiras ‘aventuras do rock’, encontros com a poesia beatnik, com o rock e blues americano, e sua latinização. Spinetta já tinha uma ‘queda’ por acordes diferentes dos clássicos do rock, e também ‘latiniza’ o rock de fora cantando em castelhano, uma novidade para a época, como faziam alguns outros, como ‘Manal’. O ‘baby’ nestes anos é traduzido como ‘Nena’ e por isso muitas músicas tem esse adjetivo nas letras.

Só que El Flaco foi se distanciando dessa sonoridade da banda e se aproximando do blues-rock e de solos mais longos, mais próximo do psicodélico, e termina por deixar Almendra.

Lá pelos 70 ele virou a chave para um rock mais para o blues provavelmente pela influência de um hard rock argentino da primeira hora, Pappo, do Pappo’s Blues. No início do Pescado eles se apresentavam juntos com o Pappo’s Blues, os dois tem muitos blues e riffs mais rockeiros. Enquanto Pastoral, Manal, o próprio Almendra estavam para o folk, Charly García estava para o progressivo mais sinfônico do outro lado, e Pappo num terceiro lado num blues mais cru, Spinetta decidiu explorar esse blues, mas com uma maior profundidade sonora.

É assim que começa Pescado Rabioso, com Amaya na batera e Osvaldo Frascino no baixo, que depois será substituído por David Lebón no baixo e esse power trio se junta depois Carlos Cutaia, que era convidado nos shows para completar com os teclados.

Pescado Rabioso se torna também um local para experimentar todas as ideias possíveis: um blues rasgado, um riff avassalador, um progressivo mais reflexivo, algo mais psicodélico, às vezes tudo isso na mesma canção. Há um fervilhar de ideias novas em todos na banda onde um puxa a criatividade do outro, e essa combinação ora é puxada pela poesia spinetteana, ora pela linha de baixo de Lebón, ora pelos teclados moog de Cutaia, …

Pescado Rabioso foi o grito musical de raiva no meio da loucura da realidade, atual até hoje, já que recentemente Eminem usou ‘Ámame Peteribí’ como base para o seu rap ‘Stepdad’ (eu acho que ele estragou um pouquinho colocando a letra dizendo que odeia o padrasto, mas enfim…).

Também tem belos momentos de puro encantamento, como no Rock da Selva Mãe (Rock de la Selva Madre) um hino hippie que tem todos os componentes do progressivo na sua mais alta expressão.

Seguindo a linha de músicas inspiradas pela primeira grande musa de Spinetta, a segunda música influenciada por Cristina Bustamante abre o primeiro álbum Desatormentándonos, que já tem um Spinetta completamente diferente.

‘Blues de Cris’, um blues forte com El Flaco confessando que está ‘cansado de falar com Cris’ e sua mente está, como diríamos hoje, com um duplex da Cris na cabeça. Da mesma forma que confessa que ‘seus olhos esquecerei’ diz que tem que respeitar o seu silêncio. Já confessa o fim da relação com um rock pesado mas com um lirismo único.

‘Atado ao meu destino, no limiar do meu caminho voltarei’. Assim como reconhece que não faz mais parte de sua vida, irá influenciá-lo ainda.

Essa época de Pescado Rabioso eles tem a ousadia de simplesmente anunciar o lugar onde irão tocar, e o lugar lota. Era a comunicação boca a boca do início do rock que sem redes sociais nem internet conseguia levar milhares de adolescentes aos eventos onde quiser que eles tocassem.

As composições de Pescado Rabioso tem arpegios complexos, terças e quintas em acordes inesperados, riffs contundentes e uma sincronia melódica única para aquela época. As letras tem influências do Spinetta da poesia dos franceses como Rimbaud e Baudelaire, assim como influência dos beatnik a Carlos Castaneda. Pescado Rabioso é um trem cuja caldeira arde de rock, seu trilho é o blues e o maquinista nos leva a países da poesia. Provavelmente havia uma pesada experimentação psicotrópica, mas também um trabalho musical exaustivo para criar músicas que são clássicos até hoje.

 

Um grande exemplo desta veia de Pescado Rabioso é a última música desse álbum, ‘Serpiente (Viaja por la sal)’. Nesta época as letras de Spinetta passeiam pelo surrealismo, misturando impressões do dia com visões do mundo tirados de uma imaginação quase cinematográfica. É um rock com um pé no progressivo, mais heavy com uma potência sonora que nenhuma outra banda tinha.

 

É claro que os tempos na Argentina eram terríveis, a volta de Perón do exilio e sua subida ao poder com a sua nova esposa Isabelita foi midiática mas em termos práticos, efêmera. Pouco depois de um ano depois da posse, Perón irá morrer deixando um governo fraco que deixava para trás os sonhos da justiça social. Ele mesmo tinha enterrado esse sonho no retorno ao seu país, quando deixou a ala direita do partido abrir fogo contra membros da esquerda no que seria a sua festa de volta do exílio. Nos meses seguintes, depois da carta branca de Perón para a ultra direita, enquanto as facções disputavam o poder dentro do mesmo partido, a direita fica cada vez mais violenta e passa a realizar o seu plano de eliminação de inimigos. Ante a violência da ultra direita do partido peronista que passou a eliminar membros da esquerda, que respondiam com sequestros e atentados, em 24 de março de 1976 os militares irão destituir o governo peronista e protagonizar um dos governos mais brutais da história moderna do continente.

A banda nesta época está num momento de intensa criatividade e é por isso que o segundo álbum é duplo, o que provoca inclusive problemas com a gravadora, que queria mais um terceiro álbum, mesmo que este ‘valia por dois’, tanto pela quantidade como pela qualidade sonora.

E como demonstração da importância da relação do Spinetta com Cristina, no segundo álbum há outro rock/blues dedicado ao fim da relação : ‘Como el viento voy a ver’, um rock que começa acelerado para depois parar e passar a um blues lento e melancólico. Porém mais complexo e com uma cadência que o rock argentino desconhecia. E era isto que Almendra nunca lhe iria dar e que é o ápice de Pescado, essa revolta de um rock blusero mas onde é possível improvisar, encontrar novos acordes, novas possibilidades dentro de um rock rasgado e sentido. A letra é bastante clara em confessar que cada um deles, Luis e Cristina, abandonaram a relação (você não me deixou, eu também não te deixei).

Mas os outros integrantes estavam frustrados de viverem numa época prolífica, criativa, mas terem pouca influência nas ideias da banda.

 

Para o terceiro álbum, Cutaia e Lebón queriam colocar suas ideias em pauta, mas Spinetta já tinha muitas composições em mente e não pensava abrir mão delas. Foi assim que El Flaco chegou nos estúdios Phonalex, no Bajo Belgrano, para gravar o terceiro álbum da banda Pescado Rabioso.

 

As discussões entre eles se tornaram silêncios, que depois viraram ausências. Primeiro um, depois outro, cada um deles foi abandonando o projeto. E Spinetta ficou só.

 

El Flaco ia ficar sozinho esperando em Dragones 2250. Mais ninguém ia aparecer, e as gravações foram canceladas.

 

Talvez dominado pela raiva de ter sido abandonado, ou talvez porque tinha um propósito muito firme, decidiu que seguiria com seu plano de um próximo álbum. E eram os outros integrantes que tinham abandonado o projeto e por isso seria o último álbum de ‘Pescado Rabioso’. Ele era ‘Pescado Rabioso’ agora e faria o que achava melhor. E sua ideia era um álbum que aos poucos tomou forma com a ajuda do seu irmão Carlos Gustavo* e um ou outro colaborador, sendo o resto inteiramente composto e interpretado por El Flaco. Era um álbum que passou a chamar ‘Artaud’.

Antonin Artaud influenciou as artes na França no início do século XX. Sua conexão com o dadaísmo e com o surrealismo, aliado a mal estares físicos reais nunca bem diagnosticados (talvez associados a uma meningite que sofreu de jovem), o fizeram ter o estigma de ‘louco’, que o forçou a padecer uma longa caminhada  por manicômios durante boa parte de sua vida. Houve diversas tentativas de tratamento. Artaud foi, como outros casos precoces do início de século, uma vítima do sistema manicomial, sistema este que não sabia bem o que fazer para protegê-lo de suas crises e o utilizou como cobaia para os tratamentos mais macabros, desde eletrochoques a tratamento com láudano, que o levou a uma adicção a opiáceos.

 

Artaud foi escritor, dramaturgo, poeta, mas sempre se considerou primeiramente ator. Um ator do maldito que tentava captar os sentimentos mais primitivos. Escreveu o manifesto ‘teatro da crueldade’ expondo sua ideia ser necessário entregar o público aos seus maiores conflitos da forma mais visceral possível. Seus escritos tinham uma poesia incomum que valorizava o ritmo das palavras e um certo non-sense que herdou dos dadaístas, mas também escreveu muitas cartas e manifestos expondo a falência do sistema manicomial e da própria vida moderna que se esconde atrás de uma pretensa sanidade. A loucura e a razão são temas que aparecem nos seus escritos, sua única e mais clara forma de protestar para médicos que o usavam de cobaia sustentados numa razão bem questionável.

 

Spinetta leu Artaud desde muito cedo. Seu sentimento sobre a miséria humana, seus questionamentos sobre a arte, a loucura e a suposta razão dos homens o surpreendia e inspirava. 

O inspirava sim, mas principalmente empurrando-o a responder que a poesia e o amor tinham que vencer, mas que sim havia dissabores. Era necessária uma resposta para Artaud. Ele estava com várias delas em forma de música, e essa música era somente o pano de fundo para uma profunda poesia.

 

Então quando Spinetta ficou só, conseguiu ter tempo para se afastar de suas influências musicais como Deep Purple, Led Zeppelin, Pink Floyd e das letras como Rimbaud ou dos sinfônicos como Genesis. Spinetta queria soar como Spinetta do começo ao fim, não se parecer a mais ninguém do que ele próprio.

 

Essa viagem toma como inspiração alguns dos ensaios de Artaud, mas é somente um ponto de partida a partir do qual Spinetta começa suas reflexões.

 

O álbum começa com uma balada que nasceu a partir, ora quem diria, de uma conversa com Cristina Bustamante, agora como amigos que confidenciam seus problemas terrenos. Cristina tinha acabado um relacionamento e estava grávida. A partir das conversas entre eles, onde Luis se viu apoiando que não abortasse porém sabendo que criar um novo ser vivo requer responsabilidade e em definitiva é um ser que deve ser criado com cuidado mas para que seja livre, nasce um dos seus maiores hinos: “Todas as folhas são do vento” (Todas las hojas son del viento).

Spinetta depois também comentou que ficava preocupado vendo pessoas do seu meio que precisavam mudar sua postura ao terem filhos e sair da balada eterna das noitadas -por isso ‘cuida ele das drogas, nunca o reprimas’, ou seja tomar conta mas criar uma pessoa com a liberdade que ela merece.

Porém as folhas são do vento, todos afinal avançamos de forma inexorável para a morte. Essa poesia crua e direta evoca as feridas que Artaud tocava sem medo.

Essa menção à morte segue para mais um (quem diria) blues rasgado ‘cemitério clube’.

Há várias interpretações possíveis: sobre a morte de um relacionamento e o rancor que fica (‘que calor fará sem você no verão, ou seja, como você é fria!’, ou ‘assim que pensei em você, caí morto’), mas também pode significar a desolação de um governo perverso que deixa como legado uma legião que cultua cemitérios, onde Spinetta canta como uma alma penada ‘Quem deu ao pequeno deus o cetro cinza do abismo ?’.

Musicalmente Spinetta aquí parece se apoiar da suposta simplicidade do blues para criar uma harmonia inusual e um clima único que nos fazem até duvidar dessa simplicidade.

A próxima música é uma poesia concreta jogada na cara, do nada, e cantada somente com o violão. As palavras se concatenam de forma quase surrealista, pintando ideias num filme que só acontece na nossa mente através dos conceitos que as palavras significam ou que trazem à tona somente pela sua sonoridade.

Já no meio do álbum a diversidade de assuntos se concatena à diversidade de tipos de poesia e ritmos diferentes, sabemos que vamos numa viagem a suas próprias entranhas. Há poucos instrumentos, para que a poesia tome lugar de um instrumento e para que cada acorde tenha um lugar, de uma forma quase minimalista.

Porém não somos meros espectadores. Em certos momentos a melodia vai nos falar mais da letra do que a letra, onde há somente uma palavra.

Superstições nos amarram, o medo nos paralisa (‘sempre tremer, nunca crescer, isso é o que mata o teu amor’).

O título da música (supercherías, ou seja fraudes) nos dá uma dica: a superstição nos dá falsas verdades como bijuterias baratas.

Já estando no meio das entranhas del Flaco teremos que enfrentar as verdadeiras perguntas a considerar.

Do que temos sede ? O que somos diante da imensidão ? Spinetta canta acompanhado de violão sobre a sede verdadeira, quebrando a parede e falando diretamente ao ouvinte sobre as ansiedades do artista e o que o público espera dele como artista e como indivíduo.

“Através de mim não irás achar a paz,

se não é em ti mesmo, nunca irás encontrá-la”

Em ‘Cantata de pontes amarelas’ (Cantata de puentes amarillos) estamos no ponto central da resposta spinetteana a Artaud.

 

A inspiração foi o ensaio ‘Van Gogh, suicidado pela sociedade’ que Artaud escreve no final de sua vida, mostrando Van Gogh como uma alma pura caminhando num mundo pútrido e sombrio. Responde de forma ácida sobre a suposta ‘normalidade’ argumentando com base no sadismo dos médicos psiquiátricos das instituições por onde passou. No ensaio há trechos que expõem o sofrimento que os supostos tratamentos lhe causaram, o que põe em questionamento tanto o tratamento quanto o sistema que o justifica:

 

Agora estamos no cerne do meio do centro da alma spinetteana. Já nos confessou sua humanidade e que não tem a intenção de ser idolatrado. Spinetta agora quer nos mostrar que até Artaud tem conserto, que seu pessimismo é real mas pode ser curado, mas que a participação do ouvinte para manter esse fogo é vital para que a troca com o artista continue.

Spinetta nos convida a andar com ele através da pintura de Van Gogh, aquele que Artaud chamou de ‘suicidado pela sociedade’. Artaud carregava a dor de ter sido um gênio não só incompreendido como desprezado como louco, e assim como Van Gogh, afastado da sociedade normal, forçado a ser eletrocutado para manter a calma -seu cérebro precisava ser fritado em nome da racionalidade. Spinetta reflete sobre a jornada do artista que traz as reflexões da sua experiência e a entrega ao seu público, e que isso não pode ser cerceado. A sociedade precisa entender essa jornada e não cercear, encaixotar.

 

As pontes amarelas devem nos libertar da visão errônea do ser e através das possibilidades dessas paisagens nos fazer ver o mundo de uma forma diferente, e é essa a missão do artista. A música combina momentos de imagens surrealistas que nos atingem como raios de luz, seguidos de momentos de reflexão. É uma pequena peça de rock progressivo construída com violão, algumas guitarras, poucos acompanhamentos, e sua voz.

 

Cada estrofe é uma seção diferente: primeiro convida a acompanhá-lo na viagem (‘tudo pode andar’), apresenta o problema dos dirigentes de homens que não tem compaixão (‘sujem suas mãos como sempre’). Depois aborda o conflito entre aprender com as experiências da vida mas sem se perder no caminho (‘é hora de voltar , mas trazendo para casa todo aquele brilho’, ou ‘todas aquelas bonecas estão sangrando de tanto chorar‘), do conflito de viver em comunidade mas respeitando a individualidade (“olha o pássaro, morre na sua jaula”), e no fim termina na volta dessa jornada, de manhã.

Os poucos instrumentos deixam a poesia brilhar como a verdadeira protagonista.

Existem milhares de interpretações e a minha é somente mais uma dentro da quantidade imensa de referências através do surrealismo e os poucos mas certeiros golpes de violão. 

 

Spinetta sem dó nos leva a outro ponto da sua montanha russa num rock que virou um clássico: Bajan, a descrição dos conselhos para que o ocaso não vire um pesadelo.

O dia deita para morrer, a lua vira névoa sem fim, mas tomara que os seus olhos ainda me amem. A poesia é de uma simplicidade direta que nos atravessa mas de uma forma boa, não como uma espada que nos quer tirar a vida e sim como uma revelação na forma de um rock como só Spinetta podia fazer.

O final de Artaud é primeiro a revelação dessa mesma idiotice da humanidade que se acha  racional e sábio mas que irá perder sua vida olhando o vazio, ‘queimando enquanto olha o sol, e esta é a estória de quem espera para acordar, … vamos embora!’.

 

Já fugindo e no final da viagem El Flaco nos relembra que nossa liberdade precisa ser conquistada. E não, ela não vale mais do que a vida, liberdade é o caminho de respeitar os outros, cuidar dos pequenos, amar até a medula, nunca reprimir, ter responsabilidade consigo e com os outros, e principalmente que o que disserem de você, é falso.

 

‘Artaud’ tem tudo: é rock, blues, rock progressivo, reflexão, muita poesia, um disco redondo. Um importante detalhe é que o encarte foi construído de forma a não encaixar em nenhuma prateleira, é uma pintura desenhada num octógono, que também lembra uma página aberta, um fundo verde com um brilho amarelo como uma luz surgindo dele. Anos depois foi adaptada ao quadrado do CD, mas ‘Artaud’, além de figurar como melhor disco de rock latino, foi uma proeza jamais repetida, e jamais irá encaixar em nenhuma prateleira.

 

 

*Alteração posterior corrigindo o nome do irmão de Spinetta (fonte: https://es.wikipedia.org/wiki/Gustavo_Spinetta), foi o meu amigo Nicko que me avisou deste erro.

 

 

Um dos péssimos atores do western dos anos 40, Ronald Reagan saboreava o seu auge na política no final de 1984.

 

Presidente de 1947 até 1954 do maior sindicato de atores, governador da Califórnia nos anos sessenta pelo partido republicano. Ganha a primeira presidência em 1981 e é reeleito no final de 84.

 

Mas também nesse mesmo final de 84 está também no seu auge um redemoinho dançante de guitarras loucas chamado Prince. Prince sempre teve muita música ao redor. Seus pais eram do mundo do jazz, tinha primos cantores, e desde cedo tocava todos os instrumentos de suas composições. No começo dos oitenta consegue desenvolver um timbre único, e cria uma mistura de R&B, música eletrônica e rock que, na falta de outro rótulo, chamamos de ‘pop minneapolis’, uma das bases do pop dos anos oitenta.

 

Na música ‘Computer Blue’, Wendy ‘fala’ como o computador azul com Lisa.

 

Assim cria a aura de um computador frio dentro de uma música dançante e tensa ao mesmo tempo.

Então em 1984 Prince renova o R&B deixando ele dançante e pop enquanto Reagan governa com apoio da bancada evangélica americana, pelos conservadores no congresso, navegando no sucesso econômico. Ele usa o anticomunismo para impulsionar um aumento do gasto militar baseado no patriotismo e nas ideias conservadoras em voga na época. Batiza a Rússia soviética de  ‘império do mal’ e afirma que deve ser combatido para manter o american way of life. O objetivo era vencer a guerra fria, combatendo por debaixo do pano qualquer força favorável ao bloco soviético que esteja nos domínios ocidentais.

 

No final de 1984 Prince & The Revolution tem seu álbum de estréia “Purple Rain”. Os assuntos das músicas são, entre outros, a busca da personalidade do protagonista (The Kid) numa sexualidade mais livre num mundo onde tudo pode-se comprar ou fabricar. Prince compôs quase todas as músicas e algumas na colaboração das parceiras Wendy Melvoin, Lisa Coleman e Apollonia Kotero.

 

Prince já era um exímio guitarrista, além de se converter num performer único. E tinha uma voz cativante com a que conseguia gritar, cantar e manter notas altíssimas com uma naturalidade ímpar. Ainda em cada música questiona de uma forma muito pessoal nossa relação com familiares, com o sexo, com a tecnologia.

 

Eram muitas novidades para uma música pop: guitarras editadas passadas por sintetizadores, baterias eletrônicas, as letras sensuais, tudo editado de uma forma coesa e num som único, moderno e cativante. Prince insere solos virtuosos de guitarra nos momentos mais inusitados, seus vídeos eram danças elaboradas e sensuais e Purple Rain rendeu ainda um filme. Foi um enorme sucesso entre os jovens e embora o filme nem tanto, o álbum foi um sucesso de crítica e influencia cantores até hoje.

 

Cada música tem uma estrutura onde Prince consegue encaixar um momento de um diálogo instrumental, muitas vezes com performances na guitarra, momentos supremos no sintetizadores ou riffs acompanhados de baterias eletrônicas.

 

Enquanto isso, um Reagan confiante continuava indo cada vez mais longe no seu anticomunismo: no anterior mandato já houveram acusações de apoiar uma guerrilha de direita que tentava derrubar o governo sandinista na Nicarágua, os Contras. Depois de reeleito conseguiu autorizar um valor de 30 milhões para entregar armas para o Irã libertar reféns americanos. A ideia era trocar armas pelos reféns.

 

Só que 18 dos 30 milhões foram utilizados na verdade para financiar os Contras, um comando guerrilheiro de direita que tentava derrubar o governo nicaragüense sandinista. As provas das investigações posteriores mostraram que a CIA os financiou mesmo sabendo que eles usavam também o tráfico de drogas para financiar sua campanha. Na época Reagan negava tudo isso, e estava tudo OK.

 

Na sua bolha de felicidade e progresso, Tipper Gore,  como muitas mães ianques ao redor do país,  comprou Purple Rain para Karenna, sua filha de 11 anos. Era um disco popular. Ouvir Prince era descolado.

Tipper Gore era esposa do Al Gore, nessa época um importante membro da casa legislativa americana pelo Tennessee, e que depois seria o vice do presidente Bill Clinton. Al Gore também era descolado, tivera uma banda de rock na juventude e gostava desse novo rock influenciado pelo pop.

Não sabemos o que aconteceu nos aposentos dos Gore. Eu imagino a Karenna ouvindo no seu quarto e cantando junto com Prince :

 

“I knew a girl named Nikki

I guess you could say she was a sex fiend

I met her in a hotel lobby

Masturbating with a magazine

She said how’d you like to waste some time?

And I could not resist when I saw little Nikki grind

“

 

Talvez sua mãe viu sua filha dançando e começou a prestar atenção na letra. Ou talvez a própria Karenna estivesse cantando com o Prince.

 

• Que disco legal, mãe, obrigado! O que é se masturbar com uma revista ?
• Eu quero também masturbar com a revista mãe! – diz a filha Krsitin de 5 anos

 

Tipper não deve ter acreditado nos seus ouvidos. A letra continuava deliciosa descrevendo uma Nikki super desinibida, indecente, provocadora, que abria portas que ela desesperadamente precisava…

 

A Tipper advogada deve ter procurado a noite toda por leis, convenções na mídia e descoberto que nenhuma legislação podia proibir mr Prince de escrever e publicar tal música. Prince ou outro músico podiam escrever letras com essas palavras, e nada podia ser feito. Gol para a primeira emenda que diz :

 

“O Congresso não legislará no sentido de estabelecer uma religião, ou proibindo o livre exercício dos cultos; ou cerceando a liberdade de palavra, ou de imprensa, ou o direito do povo de se reunir pacificamente, e de dirigir ao Governo petições para a reparação de seus agravos.”

 

Não importava que a música continha uma estrutura fabulosa de canção e de um redemoinho de baterias eletrônicas, guitarras que pareciam metralhadoras, que um Prince ensandecido cantava dançando entre oitavas com uma facilidade espantosa.

 

Mas existe outra possibilidade: as filhas de Tipper sequer terem se importado com a letra, e toda a sacanagem, balbúrdia e sexo proibido acontecerem somente na sua cabeça conservadora e amedrontada.

 

Ela tinha comprado o álbum para a filha e 

ficou horrorizada 

com uma porcaria de rima

com ‘se masturbar com uma revista’

 

Não ouvi o riff com guitarras dialogando com um sintetizadores, nem seu crescendo com a bateria eletrônica vibrando ?

 

Prince, para concluir o tripé do inferno, acaba a música com uma saudação, porém numa fala ao contrário, provavelmente para que Tipper Gore e outras mães imaginem uma invocação do mal. A saudação ainda é super positiva e diz que “o Senhor está vindo”. Mas porque Prince gravou a mensagem ao contrário? Não seria então o contrário, que o Senhor dele é o Senhor das trevas ?

 

Prince sempre foi evasivo ao explicar as suas letras e se servia de provocações para se promover, então deixou como sempre tudo no ar.

Mas Tipper Gore não podia deixar barato. Os anos 80 precisavam parar essa onda ‘libertina’. Como assim letras de ‘colocar o meu amor em você’ como do AC/DC ? Como assim ‘Me coma vivo’ do Judas Priest ?

 

Então ela e sua legião de mães conservadoras contra a libertinagem do rock fundaram o que seria o PMRC, Parents Music Resource Center ou Centro de Recursos Musicais para Pais. A proposta pública era discutir sobre a qualidade das músicas e teor das letras ouvidas por menores. Por trás disso, o interesse era a de dar ferramentas para proibir, banir ou impedir que essas músicas proliferem.

 

O núcleo duro era composto por quatro mães -e principalmente esposas de homens da política:

 

Além de Tipper Gore formavam parte: Susan Baker, esposa do James Baker, secretário do tesouro; Pam Howar, esposa de um famoso corretor de imóveis de Washington, Raymond Howar; e Sally Nevius, esposa do presidente do Conselho da cidade de Washington John Nevius.

 

Elas eram esposas de parlamentares e ‘gente de bem’ de Washington e ficaram conhecidas como as ‘Washington Wives’. Não era difícil para elas utilizar a influência na sua causa.

 

A primeira ação do ‘movimento’ foi listar 15 músicas ‘sujas’. Várias músicas que ficaram conhecidas como ‘As 15 nojentas’ foram marcadas pelo rótulo de conter ‘sexo’, outras continham ‘violência’ ou ‘mensagens demoníacas’ e outros rótulos como ‘apologia às drogas’.

 

1 Prince – “Darling Nikki” – Sex/masturbation

2 Sheena Easton – “Sugar Walls” – Sex

3 Judas Priest – “Eat Me Alive” – Sex/violence

4 Vanity – “Strap On ‘Robbie Baby'” – Sex

5 Mötley Crüe – “Bastard” – Violence/language

6 AC/DC – “Let Me Put My Love Into You” – Sex

7 Twisted Sister – “We’re Not Gonna Take It” – Violence

8 Madonna “Dress You Up” – Sex

9 W.A.S.P. “Animal (Fuck Like a Beast)” – Sex/language/violence

10 Def Leppard “High ‘n’ Dry (Saturday Night)” – Drug and alcohol use

11 Mercyful Fate “Into the Coven” – Occult

12 Black Sabbath “Trashed” – Drug and alcohol use

13 Mary Jane Girls “In My House” – Sex

14 Venom “Possessed” – Occult

15 Cyndi Lauper “She Bop” – Sex/masturbation

 

Mesmo que não houvesse uma menção clara, é óbvio vendo a lista que o heavy metal e o pop são os únicos alvos.

 

É curioso também que depois do heavy metal o outro alvo das Washington Wives sejam figuras femininas do pop como Madonna, Sheena Easton e Cyndi Lauper. Há um quê de repressão sexual aí. ‘Sugar Walls’ que Easton cantava era abusivo por ser uma referência à vagina, como se não houvesse centenas de músicas que faziam referência ao pênis de todas as formas.

 

O rock sempre foi rebeldia, mesmo quando as Washington Wives eram jovens. O heavy metal dos anos oitenta atraía os jovens com uma mistura de referências satanistas, roupa escura, uma antítese do ideal conservador cristão. A briga estava instalada.

 

Depois de colocar a discussão em pauta, o PMRC passou a pressionar as gravadoras. Assim como o cinema tem faixas de idade recomendando que seja visto por maiores de idade da faixa para o filme, deveria haver algum ‘aviso’ sobre o que ia ser consumido. Como diria mais tarde Frank Zappa “se parece censura, tem cheiro de censura, é censura, não importa a esposa de quem o diga.”

 

Um dos apoiadores que inclusive financiou o grupo foi Mike Love, um dos fundadores do Beach Boys. Embora ele diga ser progressista, as suas ideias o levaram a apoiar republicanos conservadores como Ronald Reagan e Donald Trump.

Prince além de encabeçar a lista conseguia estar em dois títulos, pois além de Darling Nikki Prince é autor da letra de ‘Sugar Walls’. Quem conseguiu a proeza foi o seu produtor David Leonard que também estava na produção de Purple Rain. Ele conseguiu um encontro da Sheena Easton com Prince onde conversaram de tudo. Depois disso ela não foi contratada como achava, mas Prince escreveu a letra de ‘Sugar Walls’ especialmente para o álbum solo dela sob o pseudônimo de Alexander Nevermind.

 

Podia haver centenas de músicas abusivas no folk, mas a preocupação do PMRC era que Easton convidava ao prazer do sexo oral feminino, e isso era um terrível tabu para quem criava meninas pré-adolescentes.

 

Ao contrário do que muita gente pensa, Frank Zappa não tinha nenhuma música  diretamente censurada. E ele tinha muitas músicas antigas com letras que com certeza sofreriam essa nova censura, mas na época tinha liberado a banda e estava compondo e tocando com o Synclavier e outros sintetizadores de forma a poder tocar suas composições humanamente impossíveis de serem tocadas, deixando com os robôs o trabalho pesado. 

 

Seu disco ‘Jazz from Hell’ é instrumental. Só há uma música com mais de um músico nela. Ele teve o selo ‘Parental Advisory’ por somente um par de meses e algumas lojas na California, supostamente pelo ‘Hell’ no título do álbum, mas foi mais uma jogada de marketing do que uma censura.

 

O PMRC avançava desenhando um selo contendo uma categorização de músicas com letras numa classificação especial marcando com o ‘X’ letras que continham sexo, ‘V’ para violência, letras ‘demoníacas’ com ‘O’ de oculto, e ‘D/A’ para menções sobre drogas ou álcool.

 

Houve muito debate sobre o assunto e algumas figuras da música passaram a aparecer nos talk shows para denunciar a censura dessas propostas.

 

Tipper Gore foi a alguns dos debates perdendo educadamente todos eles, mas o que importava era marcar presença.

 

Alguns comentaristas mais moralistas começaram a colocar uma lupa nos autores aumentando a exposição como imorais ou vulgares. Prince já tinha outra letra controversa na música ‘Sister’ onde descreve o incesto de um jovem com a sua irmã, deixando no ar se foi ou não auto biográfico -poderia ser até possível já que Prince conviveu na sua adolescência com as suas tres irmãs depois do divórcio dos pais, mas não há nenhuma certeza sobre isso. Mas o ponto é que passou a se rotular Prince de ‘defensor do incesto’, o que é um salto lógico, um declive escorregadio no argumento, manchando a imagem pública de um performer que menciona incesto em suas letras, em último caso um abuso que teria sofrido.

 

Um dos pontos fortes dos debates foi a entrevista no Crossfire com Frank Zappa. Tom Braden é o apresentador junto com comentaristas como Robert Novak, da casa, e John Lofton, um famoso conservador do Washington Times. Esse era o formato do programa, o apresentador e outro comentarista do canal entrevistando duas pessoas de opiniões contrárias num `fogo cruzado`.

 

O apresentador coloca os dois lados do problema dizendo que há letras de músicas que acha inapropriadas e que não acha que deveriam entrar na sua casa. Por outro lado, achariam correto que o governo proíba essas músicas ? E quem seria o censor ? Quem diria o que deveria ser rotulado ou o que não deveria ?

 

A defesa de Zappa é que não há nenhuma evidência científica de que certas palavras levem a pessoa a cometer tal ato seja de sexo, violência ou uso de drogas.

 

John Lofton tenta encurralar Zappa apelando para a qualidade das mensagens das letras.

 

JL – Você apoia álbuns que promovem o incesto como forma de sexo ou que em certas circunstâncias sería aceitável ? Você apoia isso ?

FZ – Não, eu não tenho interesse no incesto, mas não acho que alguém em sua sã consciência desejaria que o governo se entrometa instaurando um colégio censurador que impeça que se digam certas coisas 

…

FZ – Posso fazer uma declaração sobre o departamento de defesa nacional ?

JL – Sim

FZ – A maior ameaça hoje para os EUA não é o comunismo, é levar o país para uma teocracia fascista, e tudo o que aconteceu ao longo do governo Reagan nos leva exatamente para essa direção

(…)

TB – De que forma ? Me dê um exemplo de teocracia fascista

FZ – Quando existe um governo que prefere certo código moral derivado de certa religião, e esse código moral torna-se uma legislação que se encaixa ao ponto de vista dessa religião, e esse código resulta ser de muito muito de direita, quase no nível de Átila o Huno…

JL – Então vc é um anarquista, cada forma de governo é baseada em algum tipo de código moral, Frank

FZ – Moralidade em termos de comportamento, não em termos de teologia

 

Em meados de ‘85 a indústria fonográfica americana já tinha aceitado colocar uma etiqueta de ‘aviso parental’ denominado PAL (Parental Advisory Label) para álbuns que contivessem letras ‘potencialmente ofensivas’ e as lojas Wal Mart decidiram que não venderiam álbuns com esse selo.

 

Foi feita uma audição pública no senado norteamericano onde alguns autores queriam se pronunciar publicamente. 

 

Apareceram nas audições John Denver, autor de folk, Frank Zappa e Dee Snider, líder dos Twisted Sister. Dos tres somente o Twisted Sister estava nas ‘15th filthy list’.

 

John Denver explicou nas audições o porquê de estar lá: uma música sua tinha sido auto censurada por várias rádios do interior por terem considerado que a música era uma apologia às drogas, o que deixou ele revoltado. A música era Rocky Mountain High e é uma homenagem às Montanhas Rochosas no Colorado e à beleza bucólica de um jovem que as conhece e tem uma epifania sobre a beleza natural e imponente.

 

Isso leva ao primeiro ponto grave da censura sugerida pelo PMRC: censores assim como pessoas, interpretam, e mal interpretam letras. Tudo leva a privilegiar uma interpretação que geralmente fala mais dos preconceitos de quem ouve do que da música em si.

 

Dee Snider deixou claro que a sua letra ‘Under the Blade’ também foi mal interpretada. E sentenciou uma das frases mais contundentes das audições:

DS: “Há uma frase com a que concordo com o PMRC e é que é o meu trabalho monitorar o que os meus filhos veem, ouvem e leem durante sua pré-adolescência. A responsabilidade recai na minha esposa e em mim porque MAIS NINGUÈM é capaz de fazer esses julgamentos por nós.“

 

Depois veio a audição do Frank Zappa. Usou e abusou de cutucadas irônicas além de deixar claro os principais argumentos sobre a implementação do selo.

 

Primeiro marcou um argumento contra a desonesta comparação com o rating de filmes: 

 

FZ: “Uma vez que muitos músicos escrevem e executam seu próprio material e o consideram sua arte (você goste ou não), uma classificação imposta irá estigmatizá-los como indivíduos. Quanto tempo para que os compositores e intérpretes sejam instruídos a usar uma faixa do PMRC no braço com sua letra escarlate?”

 

John Denver também utilizou uma comparação ao regime nazi :

 

JD: “Um sistema de classificação do ‘establishment’, voluntário ou não, abre as portas para um desfile interminável de Programas de Controle de Qualidade Moral baseados em “Coisas que Certos Cristãos Não Gostam”. E se o próximo grupo do Washington Wives exigir um grande “J” amarelo em todo o material escrito ou executado por judeus, a fim de salvar crianças indefesas da exposição à doutrina sionista oculta?”

 

As audições criaram polêmica. Eram bons argumentos. Mas não mudaram o fato de uma parcela pequena mas ruidosa da população clamar por uma regulação, e a indústria se amedrontar e adotar as sugestões do PMRC.

 

Mesmo assim a etiqueta acabou acontecendo. E a indústria não detectou queda nas vendas. A pressão das gravadoras nos autores para não serem rotulados foi interpretado pela maioria dos autores como censura.

 

Reagan teve que enfrentar em 86 o escândalo dos Contras, onde após uma investigação pelo Congresso americano ficou evidente que havia milhões desviados para apoiar os terroristas contra o governo nicaraguense por baixo do pano, além de provar que o governo sim negociou com os iranianos armas em troca de reféns apesar de Reagan sempre dizer `nunca negociar com terroristas`. Reagan não foi diretamente acusado. Sua popularidade despencou, mas conseguiu eleger Bush pai, que continuou e diversificou as loucuras intervencionistas de Reagan, que Bush filho perpetuou e desencadearam outros monstros.

 

A partir dos 90 o alvo passou a ser o rap e suas letras cruas e contestadoras. Então nessas rodadas seguintes de debates quem brilhou foi Ice T. Mas a etiqueta do PAL se consolidou apesar dos protestos.

 

Era época de talk shows, Oprah Winfrey organizou um debate onde estavam Tipper Gore, o líder da banda Dead Kennedys Jello Biafra, Ice-T e outros. A contra-capa do álbum Frankenchrist incluía a pintura ‘penis landscape’ do H R Giger, na mira do PMRC. Além disso, tempo depois Biafra iria participar na música “Freedom of Speech” do Ice-T, um verdadeiro manifesto contra o PMRC.

 

Ice-T se defendeu das acusações de ‘incentivar o estupro’ explicando que a linguagem que usa é das ruas e não existe essa defesa, além de dizer de não usar drogas, ir à escola mas que o PMRC pegava com pinças referências tiradas do seu contexto cultural.

 

Ice-T: O negócio é o seguinte: você tem que engolir a pílula toda, você ouve o meu álbum, você tem que engolir a pílula inteira. O problema com o Ice-T é que eu digo para não usar drogas, ir à escola, não ir para a cadeia, amar seu irmão, mas acontece que eu gosto de Freddy Krueger, se você abrir uma revista da Playboy eu vou dar uma olhada nela, então em outras palavras o que eu faço é mostrar-lhe uma pessoa inteira, todo mundo tem um algum vício, mas eu mostro a pessoa toda. O problema é que quando você mostra o vídeo de grandes apostadores você mostra a parte que não tem nada a ver com o assassinato real, aquele vídeo era sobre não ser um apostador e no final do vídeo eu acabo morto, você sabe.

 

É bom lembrar que liberdade de expressão para Biafra ou Ice-T era trazer o debate das ruas nas suas composições. Ser a favor de criar um partido nazi em pleno século XXI ou boicotar a vacinação numa pandemia não é liberdade de expressão, é liberdade de opressão.

 

Foi um interessante debate, mas a PMRC continuou ganhando batalhas: o Parent Advise Label reformulou sua etiqueta e marcou vários álbuns.

 

Ganhando batalhas ? Se olhar os indicadores da indústria hoje, o selo não faz com que a música ou o autor sejam menos ouvidos, em alguns casos é quase uma promoção e na maioria passa despercebido. Podemos pensar que o PMRC ganhou porque sua `marca` existe até hoje. Mas também podemos dizer que perdeu porque essa `marca` foi tão banalizada que não significa mais nada.

 

A autocensura das gravadoras se reduziu a um apito em algumas palavras proibidas. 

 

Afinal, o selo hoje faz parte do mercado fonográfico e da cultura musical. Num mundo sem álbuns ou CDs, os selos marcando como ‘explicito’ estão no título da música nos aplicativos que tocam as músicas com letras que contenham certas palavras tabu, que ninguém lê. No máximo a censura será a auto-imposta que não deixará ouvir claramente as merdas de putas censuras.